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Publicado en Los Ingrávidos
El cine ya no es un vehículo para contar historias. Esa época se acabó. El cine no es una novela en imágenes ni pasa por la manipulación de las emociones del público. Su objetivo no es educar, ni entretener, ni menos aún generar sentimientos de culpa en el espectador. La mejor forma de cine es aquella que plantea interrogantes al espectador. Los cineastas deberían ser capaces de entrar en la mente de los espectadores e implicarlos en su tema. El cineasta solo puede suscitar interrogantes, quedando para el propio espectador encontrar las respuestas: para ello debe naturalmente concedérsele la oportunidad de reflexionar y completar así él mismo la parte inacabada de una obra. Tanto el cine como las demás artes deberían socavar la forma de pensar de sus espectadores para hacerlos rechazar los viejos valores y abrirse a los nuevos. Al principio yo creía que apagaban las luces de los cines para ver mejor las imágenes en la pantalla, pero luego he observado con más atención a los espectadores, sentados confortablemente en sus butacas, y he llagado a la conclusión de que hay una razón mucho más importante: la oscuridad permite a cada espectador separarse de los demás y permanecer solo, estar junto a ellos pero a la vez mantenerse aislado. Por M. Martí Freixas | 15 Dec 13 Publicado en blogs&docs “Métodos sencillos de filmación basados en el respeto por las personas parecen hoy en día revolucionarios” -Sylvain George "No pienso en términos de finalidad, sino en términos de proceso" - Sylvain George Entrevista con el realizador francés Sylvain George hecha en Pamplona en el festival Punto de Vista en febrero del 2013. Hablamos con él de sus extensos rodajes en la ciudad fronteriza de Calais relacionados con la cuestión de la inmigración (Qu’ils réposent en révolte…, 2010), así como del trabajo ético que surgió al filmar personas en situaciones desfavorecidas, charla que pertenece a la primera parte de la entrevista. En la segunda mitad, hablamos del 15M y el movimiento de los indignados, de sus filmaciones en Madrid que dieron lugar al largometraje Vers Madrid (The Burning Bright!, 2012) y que fue presentada en el citado festival. Sylvian George (parte 1) from blogsandocs on Vimeo. Sylvain George (parte 2) from blogsandocs on Vimeo. Susan Sontag
February 25, 1996 Cinema's 100 years seem to have the shape of a life cycle: an inevitable birth, the steady accumulation of glories and the onset in the last decade of an ignominious, irreversible decline. It's not that you can't look forward anymore to new films that you can admire. But such films not only have to be exceptions -- that's true of great achievements in any art. They have to be actual violations of the norms and practices that now govern movie making everywhere in the capitalist and would-be capitalist world -- which is to say, everywhere. And ordinary films, films made purely for entertainment (that is, commercial) purposes, are astonishingly witless; the vast majority fail resoundingly to appeal to their cynically targeted audiences. While the point of a great film is now, more than ever, to be a one-of-a-kind achievement, the commercial cinema has settled for a policy of bloated, derivative film-making, a brazen combinatory or recombinatory art, in the hope of reproducing past successes. Cinema, once heralded as the art of the 20th century, seems now, as the century closes numerically, to be a decadent art. Perhaps it is not cinema that has ended but only cinephilia -- the name of the very specific kind of love that cinema inspired. Each art breeds its fanatics. The love that cinema inspired, however, was special. It was born of the conviction that cinema was an art unlike any other: quintessentially modern; distinctively accessible; poetic and mysterious and erotic and moral -- all at the same time. Cinema had apostles. (It was like religion.) Cinema was a crusade. For cinephiles, the movies encapsulated everything. Cinema was both the book of art and the book of life. Por Libertad Gills
El blockbuster de Hollywood y el documental de bajo presupuesto comparten más de lo que se ve a primera vista Si durante la proyección de "Leviathan" (Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel, 2012) fue para mí extremadamente difícil sacar la vista de la pantalla para tomar apuntes, con "Gravedad" (Alfonso Cuarón, 2013) fue absolutamente imposible. Las dos películas representaron experiencias visuales y sonoras de alto poder; ambas me hicieron sentir que estaba dentro de ellas, completamente absorbida por la imagen y el sonido, emocionada por la historia narrada y más aún por la tecnología detrás de su construcción. "Leviathan", un documental sin diálogo, retrata la vida abordo de un barco de pesca masiva. El impacto visual se crea a través del uso experimental de la cámara Go Pro (una cámara de bajo presupuesto, usualmente utilizada en videos deportivos) y el movimiento anónimo y libre que esta cámara permite. Las cámaras se mueven de acuerdo al objeto o sujeto a las que están amarradas. No hay “perspectiva autoral” en su encuadre ni en su movimiento. Este anonimato, y el constante movimiento, crean un reto para el espectador. Tenemos que ver para saber dónde estamos y qué está pasando. Como resultado de ello el espectador se siente parte de la película, como si la cámara fuera su ojo, mirando a través de las rejas de una jaula. Cuando la cámara nos muestra un poco más (por ejemplo las gaviotas en el cielo), nos sentimos agradecidos, libres, vivos. De repente, nos damos cuenta que estamos en medio del océano, a la deriva, sin que nadie nos sostenga. Sentimos el peligro que nos rodea, olemos la sangre de los peces, el movimiento de la cámara crea una sensación de náusea similar a la de navegar en barco. The best cinematographers often form a long-lasting, creatively fruitful relationship with an A-list filmmaker — think of how Steven Spielberg uses Janusz Kaminski, for example, or how many iconic shots Roger Deakins has set up for the Coen brothers — but few are as fortunate as Emmanuel Lubezki, the 49-year-old Mexican director of photography who can count both Alfonso Cuarón and Terrence Malick among his closest collaborators. Oscar nominated five times, the gifted Lubezki (nicknamed "Chivo" by his friends) has strung together some stunning, impossible shots for his buddy Cuarón, including the wowser of a scene that opens their new space epic, Gravity. At the same time, he has a talent for making those technically difficult shots look natural and tossed-off, a trick he puts to good use in his gorgeously filmed projects with Malick. How does he do it? Let Lubezki himself explain, by way of five superb sequences he's shot for both directors.
Eva Galová-Vodrázková was born in 1940 and, after studying at the Academy of Applied Arts in Prague, designed numerous film posters between 1966 and 1972 (Terry Posters has forty-two of them on their site). She mixes photo-collage, bold typography, grids and lines, and her own faux-naïf illustration to arresting and very varied effect. Her work can be dynamic and pared-down as in her sports-oriented posters for Grand Prix and Boxer—two of her best—or pleasingly fussy, as in her poster for Killing the Devil which reminds me of the work of the great Japanese designer Tadanoori Yokoo. - Adrian Curry, published in Mubi on December 21st, 2012. All posters courtesy of Terry Posters, Prague. Set to a bebop jazz beat, this documentary brings to life the extraordinary work of graphic designer Saul Bass, whose groundbreaking title sequences for Hitchcock's films transformed the art of movie titles. Through interviews with directors such as Martin Scorsese and Guillermo del Toro, this film reveals why Bass is still considered the medium's greatest artist. (IMDb) Better quality here. |
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December 2019
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